Espacio Orienta, de la mano de Somos ARTe, ha organizado esta exposición de la polifacética artista, nacida en Argentina hace 24 años y residente en Zaragoza. Dice Cintia que, en sus creaciones, “me gusta que haya personas, buscar en ellos hasta dar con eso que está dentro que muchas veces nuestro disfraz no nos permite sacar… busco la armonía, la luz, la serenidad, mediante la fotografía, que es mi mejor terapia”.

Aunque Cintia Massafra hace fotografía, collage, pintura, etc., nos comentó que lo que constituye su dedicación principal es la fotografía, en la que lleva trabajando más de 5 años, y que ahora está realizando incursiones en el vídeo. Massafra es, además, la mitad de “Enfants terribles” junto con Carlos Pérez Morales, y ya ha sido premiada por sus creaciones.

El acto estuvo amenizado con música, muy bien escogida, y hubo mucha asistencia. Nada más llegar nos encontramos a Ángel de Manuel, de Somos ARTe, al pie del cañón, y allí estuvieron también los artistas José Luis Gamboa, Ángel Laín, Débora Quelle y Julia Reig, entre otros.

Podéis visitar la exposición de Cintia hasta el próximo 18 de marzo, de lunes a viernes, de 9 a 14 y de 16 a 19 horas.

Con Cintia Massafra:

La pintora Julia Reig (izquierda), la escultora Débora Quelle, y el artífice de la ambientación musical:

Mucho personal en la inauguración:

Fotografías y otras obras de Cintia:

Esta creación fue muy alabada por los asistentes. Aunque no sea propiamente “lo suyo”, hay trabajos muy interesantes de Cintia, como éste:

Nacido en Calatorao (Zaragoza), procede de una familia de canteros y a los 16 años comenzó a trabajar en la cantera familiar, compaginándolo con estudios de delineación. Durante 12 años se dedicó al trabajo de la cantería, realizando relieves, figuras, pequeñas obras y restauraciones. Desde 1987 vive y tiene su estudio y sala de exposición permanente en San Lorenzo del Flúmen (Huesca). Profesor de cantería durante varios años, ha sido seleccionado en más de 60 concursos y desde el año 2001 se dedica solamente a la escultura y a impartir algunos cursos de cantería y de talla en piedra. Posee un impresionante curriculum de premios, participación en simposios y encuentros, exposiciones individuales y colectivas (los de la cosecha del 59 somos así), ha realizado esculturas en todos los formatos, así como mobiliario urbano y figurativas, y obra pública elaborada por Pedro puede verse en varios lugares de Huesca y Zaragoza, así como en Pontevedra y Alicante.

En la muestra actual ha utilizado piedra del Pirineo, de Uncastillo, mármol de Macael, mármol crema y, por supuesto, mármol negro de Calatorao, combinando en ocasiones varios tipos en una misma pieza.

La exposición de Pedro Anía puede visitarse hasta el 8 de febrero, de lunes a viernes de 10 a 14 y de 17 a 20 horas, y los sábados de 11 a 14 horas.

Aquí estoy con Pedro Anía:

Visitantes de la muestra, comentándola con Pedro:

“Río Jalón”:

“Infinitum”:

“Saque inicial”:

“Sin título”:

“Órbitas”:

“Sin título”:

“Añoranza”:

“Las dos abuelas”:

“Bailarina”:

“Mirando a Möbius”:

“Una mirada al arte”:

Profesor de la Escuela de Arte de Zaragoza, Villarrocha posee un extenso historial expositivo, desde sus comienzos en el Grupo Algarada (del que fue cofundador en 1973) hasta la actualidad. Desde finales de los 70 hasta hoy ha protagonizado una veintena de exposiciones individuales, y su obra se encuentra en múltiples instituciones y colecciones públicas, en Aragón, Castilla-León o Euskadi, así como en entidades financieras, académicas, etc.

Una fondamenta es en Venecia una orilla transitable, y Cy Twombly (“manierista” del expresionismo abstracto más esencial) es para Villarrocha un lugar de referencia para orillar sus pasiones, una zona de atraque para navegantes urbanos. Así pues, esta Fondamenta está dedicada a Twombly, creando un lugar en la Venecia donde Villarrocha habita desde hace muchos años.

La inauguración fue muy concurrida, contando con críticos de arte, coleccionistas, artistas, gentes del mundo de la cultura y amigos. Podéis visitarla hasta el próximo 10 de febrero, de martes a sábado, de 10’30 a 13’30 y de 17 a 21 horas.

Un servidor con Vicente Villarrocha (derecha) y Mariano Santander, director de la galería:

Escenas de la inauguración:

El maestro de críticos de arte, Ángel Azpeitia, con su esposa:

Cy Twombly, por Villarrocha:

Algunas de las obras de Vicente Villarrocha en la muestra:

Miguel Ángel Yus protagonizó una amplia muestra (cincuenta obras en cinco salas) realizada recientemente en el Hotel TRYP Zaragoza, que recogimos en este blog. Ahora Miguel y Claudia me envían la invitación a esta nueva exposición y yo os la hago extensiva. Podréis visitarla hasta el 3 de marzo, de martes a viernes de 10 a 14 y de 16 a 20 horas, y los sábados de 10 a 14 horas.

Cartel de la exposición:

María Jesús Bruna ha estado dedicada en los últimos tiempos a la creación de obra pública, esculturas, performances e instalaciones urbanas, de lo cual tenemos ejemplos en Fraga, Barbastro, Huesca capital, Sabiñánigo y otros lugares altoaragoneses. Desde su primera exposición en Barbastro, en 1975, ha seguido una prolongada y meritoria trayectoria creativa y, ahora, tenemos a nuestra disposición un buen número de sus obras recientes. Con entrada propia en la Gran Enciclopedia Aragonesa, entre sus exposiciones figura la que realizó en 2001 en el I.A.A.C.C. Pablo Serrano que, como otras que ha protagonizado, recogió muy buenas críticas.

En esta ocasión, Bruna nos ofrece esculturas ligeras, aptas para ser colgadas (de ahí el título), así como fotomontajes de gran impacto visual. Podéis visitar esta interesante exposición hasta el día 5 de febrero, de lunes a sábado, de 10 a 21 horas.

La inauguración estuvo concurridísima, cuantitativa y cualitativamente, y fue muy animada, a lo que contribuyó la originalidad de la oferta artística y el trato personal próximo y afable de la autora y del coordinador del E.C.A.D., Eugenio Mateo.

Eugenio Mateo y María Jesús Bruna, durante la presentación:

Bruna explicando sus obras, en directo:

De izquierda a derecha un servidor, María Antonia Díaz, María Jesús Bruna y Eugenio Mateo:

De izquierda a derecha María Antonia Díaz, Francisco J. Marco, Eugenio Mateo, Ángel Laín, Juan Luis Borra, José de las Muelas, Marian Fernández Landínez y los críticos de arte Manuel Pérez-Lizano y Virginia Baig:

Vistas parciales de la exposición:

Obras de María Jesús Bruna en el E.C.A.D.:

Lo primero que debo comentar, y se lo dije a Marcos, es que su obra me agradó mucho. Me parecieron también excelentes, y muy sinceras, las explicaciones que me proporcionó sobre sus objetivos, conceptos y técnicas, así como acerca del proceso de su formación autodidacta.

Marcos Serrano basa su obra en la exploración de las relaciones que se establecen con los entornos digitales y a través de ellos. El pensamiento codificado de nuestra sociedad se plasma en su producción de un modo casi inmaterial, consiguiendo acabados perfectos, curvas imposibles y brillos sintéticos que logran una sensualidad digital y tecnológica única. Consigue eliminar la huella humana del creador, introduciendo nuestra mente en el ámbito mágico y de misterio que rodea a las tecnologías, al menos desde el punto de vista de la inmensa mayoría de nosotros, y a excepción de los “iniciados”: algunos científicos y técnicos.

En este sentido resulta muy didáctico el ejemplo que Marcos me expuso de la diferencia entre la tecnología de hace unas décadas y la actual. Si tú abres un reloj tradicional, encuentras ruedecillas, engranajes, ves el movimiento de las piezas. ¿Qué ves si quitas la tapa a un reloj digital o a un teléfono móvil? Por eso, concluimos ambos, por el impacto y la sensación de irrealidad o de trascendencia que los últimos avances tecnológicos producen en la mayor parte de los humanos, cabe hablar de “magia tecnológica”, sólo comprensible para los “magos tecnológicos”.

La obra de Marcos Serrano estará expuesta hasta el próximo 7 de febrero, y podéis visitarla de martes a viernes, de 17 a 20’30 horas, y los sábados de 10’30 a 13’30 horas.

Con Marcos Serrano y Carolina Rojo:

Vistas de la exposición en la galería. Las obras de las paredes son impresiones en metacrilato siliconado y, las esculturas, están realizadas con resina de poliéster, fibra de vidrio y pinturas:

Esculturas de Marcos Serrano:

Yo también tengo mi pequeña vena artística:

Código QR que esconde en su interior el portal web de la Galería Carolina Rojo:

Aunque se opinó inicialmente sobre la oportunidad de acometer proyectos como el del Instituto Aragonés de Arte y Cultura Contemporáneos Pablo Serrano, lo cierto es que éste ya está construido y es una inversión sin vuelta atrás.

Abrió el acto Fernando Morlanes, presidente de la asociación Erial Ediciones, quien presentó en sociedad este proyecto y el de la revista cultural Crisis, que nacen con la intención de cambiar el concepto actual de que la cultura es sólo ocio y de que el dinero invertido en ella se tira.

Después Víctor Jerjo-Toma presentó a los intervinientes y comenzó una exposición de los mismos sobre varios aspectos del tema del debate, que iban siendo introducidos por el moderador.

En resumen, las opiniones de los cuatro expertos tuvieron un tono bastante crítico. Luis Beltrán se refirió al Pablo Serrano como un ejemplo de la irrealidad que estamos viviendo, y tachó al edificio de agresivo con su entorno urbano, al que minora con su presencia. Respecto a este tipo de centros en general, cuestionó la validez de los mismos al introducir en muchas ocasiones contenidos creativos copiados de otros y carentes de valor artístico, pero que consiguen mucha difusión mediática. Los grandes museos de arte contemporáneo usan esta artimaña como herramienta de proyección y propaganda.

Concepción Martínez Latre abogó por los museos pequeños que, como las pequeñas ermitas, comparten el espacio con las catedrales que serían los grandes museos. En este sentido, criticó la eclosión de museos contemporáneos que no reparan en gastos y defendió el papel de los museos locales.

Llatzer Moix aportó una visión nacional a esta cuestión de la “arquitectura milagrosa” y explicó los múltiples fracasos de este tipo de aventuras salvo, y contra todo pronóstico, el Guggenheim de Bilbao que sí ha conseguido tener éxito. Con un estilo ameno y directo, el periodista catalán nos contó detalles sobre las aventuras museísticas de las ciudades españolas e ironizó sobre las excelentes relaciones entre los arquitectos estrella y los responsables políticos autonómicos, alcaldes, etc. Recordó que hemos asistido a la realización de macro edificios sobre los que se carece de previsiones para su mantenimiento y viabilidad, pero ha prevalecido el rédito político obtenido en el momento oportuno sobre cualquier otra consideración.

Por mi parte, y tras recordar los fines oficiales del I.A.A.C.C. Pablo Serrano, sus características y potencial, sus vicisitudes y situación actual,  expuse que con determinado tipo de actuaciones corre el peligro de banalizarse si no se redefinen, rápidamente, su uso y su funcionalidad. Que los objetivos que se plantea el centro, como ofrecer una visión renovada del escultor de Crivillén y exponer las colecciones que componen sus fondos, son excesivamente conservadores y estáticos para atraer al público y para impulsar el desarrollo de la industria cultural. Y recordé también que sólo su mantenimiento cuesta 57.000 euros mensuales, poniendo sobre la mesa algunas posibles soluciones al enorme problema que ahora presenta este espacio, que quedaron convenientemente grabadas en los vídeos que se realizaron durante el desarrollo de la mesa redonda.

Tras varias intervenciones del público, se dio por terminado el acto. Entre los asistentes podemos destacar la presencia de Eugenio Mateo, coordinador del Espacio Cultural Adolfo Domínguez y miembro del Consejo de Erial Ediciones, la arqueóloga y abogada María Antonia Díaz Sanz, la presidenta de la Asociación de Artistas Plásticos Goya Mariela García Vives, el exconcejal del Ayuntamiento de Zaragoza José Luis Calvo, o el presidente de la Real Academia de Nobles y Bellas Artes de San Luis y director del Museo Diocesano de Zaragoza, Domingo Buesa.

Para terminar, como ejemplo del exotismo mistérico que envuelve a todo lo que afecta al I.A.A.C.C. Pablo Serrano, relataremos el aplazamiento del I Certamen de Pintura Rápida Pablo Serrano. Se anunció su convocatoria el 26 ó 27 de noviembre… para celebrarse el 3 de diciembre (¡bien!). Se establecían dos modalidades: una, de 12 a 16 años, y otra a partir de 17 años, con tres premios para cada una. Cada artista debía llevar su propio material, incluyendo el lienzo de dimensiones 55×38 cm. Las obras debían realizarse en los espacios del I.A.A.C.C. Pablo Serrano (salas, pasillos, entrada, exteriores, terraza, etc.).

Luego estaban los premios que se iban a conceder: en la categoría de 12 a 16 años, un primer premio de material de pintura valorado en 250 euros; uno segundo de material de pintura valorado en 150 euros, y un tercero de material de pintura valorado en 100 euros. En la categoría de 17 años en adelante, los premios eran material de pintura valorado en 600 euros en el caso del primero, en 400 euros para el segundo y en 200 para el tercero.

¿Qué sucedió? Pues que, con plazos tan “amplios”, teniendo que pagar de tu bolsillo los materiales y el lienzo si querías participar, y siendo los premios en especie y de una cuantía inferior a los de cualquier concurso de este tipo de los que se convocan en Aragón (incluyendo los pueblos)… el I.A.A.C.C. Pablo Serrano notificó el 29 de noviembre que posponía el concurso hasta la primavera.

Fernando Morlanes presenta el acto:

De izquierda a derecha Llatzer Moix, Concepción Martínez Latre, un servidor, Luis Beltrán y Víctor Jerjo-Toma:

Empieza a llegar el público. En el cuadrante inferior derecha, Eugenio Mateo:

Al fondo, José Luis Calvo y Domingo Buesa:

Tras dar buena cuenta de las viandas, hubo regalos para todos y baile, con la sorpresa de que algunos/as han debido tomar clases o tener amplio recorrido festivo, porque bailaban muy bien. Confraternización y alegría, es decir, lo que procede en estas fechas.

Sólo me queda pedir disculpas por el gran retraso en publicar este evento. No encontraba las fotografías. Pues ya hemos dejado constancia de cómo fue: entrañable.

De izquierda a derecha Eduardo Díaz, María Antonia Díaz, Gonzalo Berges y Mari Carmen Polo:

De izquierda a derecha Mari Carmen, Diego, Gonzalo, Andrea, María Antonia, Ana y un servidor:

En el centro de la imagen, Mari Carmen y Jesús, padres de Mari Carmen Polo:

¡Vaya que si bailamos!:

En los últimos años ha ido definiendo su propio camino libre e individual, trabajando actualmente el expresionismo abstracto con acrílicos. Ha realizado múltiples exposiciones colectivas e individuales y es particularmente activo en el campo asociativo, perteneciendo a la Asociación de Artistas Plásticos Goya-Aragón y al grupo Línea 42.

Paco ha expuesto en otras ocasiones en el Body Factory, acercando el arte a un público que acude al local a relajarse intelectualmente y tonificarse físicamente, y tiene en perspectiva la participación en breve en otras muestras.

Las obras que ofrece en esta ocasión son representativas de su estilo, medianos y pequeños formatos con utilización destacada del trazo muy amplio, colores muy bien combinados sin predominio especial de ningún tono sino con elección adaptada al diseño del conjunto, y el empleo enriquecedor de texturas. Valga como muestra de lo que decimos la pintura “Banderillero” que mostramos a continuación, o cualquiera de las otras que se reproducen.

Como colofón de la visita a su exposición, Paco López Francés nos obsequió con una de sus obras (que mostramos al final), lo cual le agradecemos tanto por el gesto de amistad como por la calidad del regalo.

De izquierda a derecha Francisco López Francés, María Antonia Díaz Sanz y Maxi (monitor del gimnasio):

Vista de una de las paredes donde se exponen los cuadros, en la zona más transitada del local:

“Banderillero”:

Otras creaciones de López Francés:

Esta obra no está en la exposición, es el amable obsequio que nos hizo Paco López Francés:

Así, después de Akojon’Arte, vemos tres estilos muy distintos en esta ocasión, centrados en sus propios conceptos y visiones. Javi Albors nos presenta, envasados en cajas de CD, composiciones y muñequitos playmobil con diversos atuendos que definen su personaje y función, desde Corruptman hasta DA Homeless, acompañando sus nombres con frases alusivas, todo en inglés para poner intencionadamente de relieve lo que yo llamaría el “proceso de anglosajonización creciente”. Muy original y potente en su sencillez.

Lourdes Gracia muestra fotografías cuya interpretación general viene definida por la frase: “Porque tú también conoces a alguien así, solo que no lo sabes”. Conjunto en el que predomina la exposición de las tendencias del travestismo masculino hacia lo femenino, con el inevitable toque exhibicionista y narcisista que ello conlleva. Pero con unas composiciones y perspectivas que alejan las imágenes de lo trillado y transmiten perfectamente la idea de la autora. Acompaña su presentación con un montaje móvil de color rosa del que penden varios objetos cortantes o punzantes, acompañado de la frase “La traición se viste de rosa”, indicando el peligro de fiar en las apariencias y el letal engaño que a veces se encierra tras ellas.

Pedro Mozota presenta un panel de fotografías de paisajes, desde pirenaicos a monegrinos o marítimos, de gran belleza y sensibilidad, sin olvidar la calidad técnica. La frase que lo acompaña es “Usa tu tiempo, nos vamos acercando al fin del mundo” y su anagrama “Ashido Pedro Mozota” (es decir: “Ha sido Pedro Mozota”). Completa el panel una sencilla representación a rotulador de una persona contemplando una ola marina bajo el sol. Las fotografías están dispuestas con la estructura de un haiku (tres columnas de 5-7-5), y cada una de ellas se encuentra acompañada por un poema que, con la sencillez y precisión que caracteriza estas composiciones, la describe y complementa.

Nos hubiera gustado que las fotografías de Lourdes y Pedro fuesen de mayor tamaño pero, como estamos en crisis, nos conformamos con el formato que nos ofrecen.

Para los interesados en visitarla, cosa que aconsejo, la muestra estará expuesta hasta el día 15 de enero.

Y, en el Bar Bonanza (c/ Refugio nº 4, de Zaragoza), Mooses Brugger presenta unas manipulaciones de superficies colgadas en las paredes del local, que hacen la exposición número 530 en este lugar y que pueden verse hasta el 16 de enero.

De izquierda a derecha, Lourdes Gracia, Pedro Mozota y Javier Albors:

Javi Albors con sus fotografías:

Los personajes de Albors:

Disposición de las fotografías de Lourdes Gracia:

Algunas de las imágenes presentadas por Lourdes:

El móvil letal de Lourdes:

De izquierda a derecha, Lourdes Gracia, un servidor y Paco Rallo:

El panel de Pedro Mozota:

Paisajes de Mozota con sus haiku:

De izquierda a derecha Pilar Gutiérrez Beired, Paco López Francés y María Antonia Díaz Sanz:

“Catering en tiempos de crisis”:

Obras de Mooses Brugger en el Bar Bonanza: