“Maturén, en la memoria siempre”, en la Galería Cristina Marín

Hasta el 24 de marzo, de martes a viernes de 18 a 20’30 horas, y los sábados de 11 a 13’30 horas, pueden disfrutar de la muestra Maturén, en la memoria siempre en la Galería Cristina Marín (c/ Manuela Sancho nº 11, de Zaragoza).

Exponer la obra de Maturén es una propuesta reiterada de la galería (pulse aquí y aquí), si bien con extensa renovación de contenidos producidos por el prolífico autor. Ahora nos ofrecen un conjunto de creaciones en mixta sobre papel, mixta sobre lienzo, óleo sobre lienzo y algún collage, de variada temática y concepción, que prefiero que vean en las imágenes que siguen a comentárselas.

Vuelven a brillar ante nosotros las obras de este gran autor, fallecido en Tarazona en 2005, sobradamente conocido y de cuyas creaciones hemos disfrutado en muchas ocasiones anteriores. No vamos a comentar aquí la personalidad ni la trayectoria de Ángel Maturén, zaragozano inquieto que, tras su periplo por diversos lugares (Madrid, Lanzarote, su taller en Sierra de Luna) volvió a Zaragoza, viviendo 15 años en la ciudad de Tarazona donde dejó una intensa huella y un extenso legado. Sí recordaremos que experimentó con numerosos estilos, técnicas y temas, como el postimpresionismo, el hiperrealismo, la primera abstracción, las transvanguardias, la abstracción matérica, la pintura social, desnudos, bodegones, paisajes, el dibujo y trazado en plomo, y también trabajó la escultura, aunque prefirió finalmente dedicarse en exclusiva a la pintura.

Para quienes quieran profundizar en Ángel Maturén, su vida y su obra, pueden consultar la completa y valiosa monografía de Manuel Pérez-Lizano Forns: Ángel Maturén 1949-2005. Vida y arte como acción, publicada por el Ayuntamiento de Tarazona y la Diputación Provincial de Zaragoza en el año 2005.

Recomendamos que visiten la muestra porque es muy interesante, como todo lo que hace referencia a este artista, también su periplo vital.

La exposición:




















Cristina Marín (izquierda) y María Antonia Díaz:

Víctor, hijo de Maturén:

Enrique Lafuente organizando a los asistentes para las fotografías del evento, a su lado Roxana Marco:

María Antonia y un servidor, foto de Enrique Lafuente:

De derecha a izquierda María Antonia Díaz, Manuel Pérez-Lizano, Miguel Ángel Arrudi, Edrix Cruzado y una amiga:

María Antonia y Miguel Ángel con la galerista Pilar Ginés:

Un servidor con Pedro Fondevila (izquierda) y Alfredo Cabañuz:

Pedro Fondevila:

María Antonia con Felipe Pérez:

De izquierda a derecha Óscar, Rafael Gómez Pelufo y Débora Quelle:

Anuncios

“Geometría en desconcierto”, DAMACE expone en la AAPGA

Hasta el 28 de febrero, de lunes a viernes de 18 a 21 horas, pueden ver la muestra Geometría en desconcierto del artista zaragozano DAMACE en la sala de la Asociación de Artistas Plásticos Goya-Aragón (Avenida de Goya nº 87-89, de Zaragoza).

La exposición, que se inauguró el pasado miércoles con asistencia de artistas, personalidades del mundo de la Cultura, así como amigos y familiares del autor, está constituida por obras de gran formato elaboradas en 2017 y 2018, en las que se mantienen algunas de las constantes que hemos visto en este creador, así el uso de la madera como soporte y el aprovechamiento de su estructura natural como parte de la composición, la utilización ponderada de los colores (empleando ahora tonos más suaves que antes), etc. Sin embargo, hay cambios en sus recientes producciones ahora presentadas, como la desaparición de las potentes texturas que convertían sus pinturas, a veces, en auténticos bajorrelieves, o la manifestación de una tendencia minimalista antes solo ocasionalmente vislumbrada.

Conozco bien a DAMACE, incluso fui comisario de una amplia muestra suya en el Hotel TRYP Zaragoza (pulse aquí) y he visitado personalmente su estudio (pulse aquí). He seguido su trayectoria y creo que ahora nos presenta en la sala de la AAPGA una nueva propuesta artística muy interesante. Así que ya saben, vayan y vean.

Durante la presentación de la muestra. De izquierda a derecha María Antonia Díaz, DAMACE y Mariela García Vives:


Asistentes de la primera hora, luego vino el goteo habitual y se llenó:


Un servidor, con DAMACE:

María Antonia Díaz con el crítico de arte Manuel Pérez-Lizano:

Miguel Ángel Arrudi:

De izquierda a derecha Isabel Falcón, José Antonio Amate, María Antonia, DAMACE y Mariela:

De izquierda a derecha Isabel, yo, Pilar Escota, Lourdes y Francisco J. Marco:

Con Ángel Laín (también estaba por allí David Vela):

De izquierda a derecha Amate, Petri, y Ángel Arruga Murillo:

Juan Luis Borra (izquierda) y Rafael Gómez Pelufo:

La exposición:











Exposición de Shadi Ghadirian, “Como todos los días”, en el Centre del Carme Cultura Contemporània

El jueves 8 de febrero, a las 20 horas, se inaugurará en el Centre del Carme Cultura Contemporània (c/ Museu nº 2, de Valencia) la muestra Como todos los días (Com tots els dies), de la fotógrafa iraní Shadi Ghadirian, con asistencia de la artista, que podrán visitar hasta el 1 de abril, de martes a domingos y festivos, de 11 a 20’30 horas.

El Centre del Carme Cultura Contemporània (CCCC) y Contemporánea presentan esta exposición retrospectiva, comisariada por Mario Martín Pareja y formada por medio centenar de fotografías y una videoinstalación que exploran las series más controvertidas de esta artista sobre la mujer iraní y que mezclan tradición y modernidad.

Nacida en 1974 en Teherán, poco antes de la instauración de la República Islámica de Irán, Ghadirian “cae en fotografiar a la mujer” después de completar una licenciatura en la Universidad de Azad en 1998. A través de las contradicciones en la vida cotidiana, la fotógrafa iraní Shadi Ghadirian se basa en su entorno y cultura, y en su condición de mujer para crear la obra. Alejada del concepto de retrato occidental, Ghadirian representa a la mujer iraní en todos sus aspectos, iluminando con el color zonas de un mundo que de otra manera se antojaría oscuro y usando el humor para derribar tabúes. Gracias a su habilidad artística, lograr enviar un mensaje sutil y poderoso focalizado en los aspectos sociales e históricos de su propio país, pero con un eco mucho más allá de sus fronteras.

Para saber más de la autora, pueden pulsar aquí y aquí.

A continuación, les muestro algunas de sus obras.






Próxima exposición de Moisès Gil en Alcoy (Alicante)

Mañana, 31 de enero, a las 20 horas, se inaugurará la muestra La figura humana de Moisès Gil en el Centro Cultural Mario Silvestre de Alcoy (Av. País Valencià nº 1, segunda planta del antiguo Banco de España), que podrán visitar hasta el próximo 30 de marzo, de lunes a viernes de 11’30 a 13’30 y de 17’30 a 20’30 horas.

No hemos podido atestiguar en este blog su intensa actividad expositiva, múltiple también desde el despliegue escultórico que efectuó en el Paseo Marítimo de Cala Rajada de la localidad de Capdepera (pulse aquí), pero ha seguido realizándola y, ahora, nos presenta esta nueva exhibición de su buen hacer. Como dijimos ya, Moisès Gil es en estos momentos uno de los escultores de más prestigio y trayectoria a nivel estatal e internacional, como lo evidencia su curriculum y la presencia de su obra en una amplia relación de museos y de colecciones públicas y privadas.

En esta ocasión muestra Moisès esculturas de gran tamaño y relieves con los que invita al espectador a tomar partido en lo que ocurre en la calle, en lo que le ocurre y acontece en su contexto artificioso de lo urbano. Las esculturas superan la mayor parte los dos metros de longitud, ya que en esta exposición se presenta por primera vez una nueva serie de esculturas donde predomina la horizontal y en la que el referente figurativo va saliendo de las estructuras tanto físicas como conceptuales como si se desligase del entramado social, como respuesta a los comportamientos displicentes de la sociedad contemporánea. Todas estas piezas están elaboradas con acero y aluminio. Los relieves, de acero y poliéster, tienen diferentes tamaños que oscilan desde 10 x 15 cm. hasta los 170 x 90 cm. En todos ellos aparece una figura humana, en distintas actitudes habituales en la cotidianeidad del ser. Los referentes figurativos permanecen estáticos, contemplativos, sin hacer nada unos, en contraposición con otros de actividad frenética y entroncados en el engranaje de la sociedad postecnológica.  Al disponer en el espacio y en la pared una serie de piezas se crea un entorno centrado en el diálogo entre las distintas obras en el que está presente la narrativa del mensaje que el escultor quiere hacer llegar al espectador: “el comportamiento humano en nuestra sociedad contemporánea”.

El eje vertebrador de la exposición es el resultado de una investigación sobre los comportamientos sociales de los seres humanos durante los últimos años, frente a las imposiciones y condicionamientos antisociales, el recorte de las libertades individuales, la libertad de expresión, la globalización o la involución de los logros sociales. En ese contexto, coloca a la escultura como representación de la experiencia diaria del desarrollo del ser humano frente a las adversidades de la sociedad en la que está inmerso, basándose en que la obra de arte es comunicación. Según el autor, en el fondo, es “un grito para decir que hay que abrir puertas y ventanas para liberarse”.

Pues ya lo saben, vayan y disfruten de la obra de Moisès Gil.

“Tormenta de Papel”, Mariela García Vives expone en la Biblioteca de Aragón

Mariela, artista versátil, polifacética y todoterreno, nos sorprende con la muestra Tormenta de Papel que se ubica en la sala de exposiciones de la Biblioteca de Aragón (c/ Doctor Cerrada nº 22, de Zaragoza), que podrán visitar hasta el 31 de enero.

Mariela García Vives ha elaborado lo que allí se presenta específicamente para la exposición, en la cual se realiza una acción estética creadora sobre libros, principalmente en su exterior, siguiendo de algún modo la tradición de los manuscritos iluminados pero aplicada al diseño externo y primando lo plástico sobre lo textual.

Al llegar vemos la representación de las cuatro estaciones sobre libros intervenidos plásticamente por Mariela e insertos en sendas cajas de madera, obras que marcan el acceso, dedicadas a estas fases de nuestro ciclo natural y acompañadas de breves frases que aquilatan lo que para nosotros suponen cada una de ellas. Con el nombre específico de Tormenta de Papel se denomina una instalación de largas tiras de papel pintadas con una sugerente composición cromática y formal desarrollada verticalmente y también horizontalmente respecto a las tiras de ambos lados de cada una y al conjunto general, que expresa el miedo a los disturbios vitales y, especialmente, al sobresalto anímico, pero también la aprensión al cambio; frente a lo anterior, se sitúan cuatro deliciosos cuadros sobre papel encerado, enmarcados, con títulos tan sugerentes como En las nubes y, al fondo de la sala, hallamos lo que podríamos definir como pequeñas pero expresivas intervenciones pictóricas sobre libros, que semejan microinstalaciones (así Rocódromo, La Casa de la Vida, o Escena de casa parisina). Finalmente, está allí presente la paleta de colores que la autora ha utilizado, poniendo de este modo a nuestra disposición este interesante dato de elaboración.

Pero, además, deben saber que Mariela nos comenta que el día 31 a partir de las 19’30 horas, se dividirá en pedazos el mural de 5 por 2’70 metros correspondiente a la Tormenta de Papel, y se regalará a cada uno de los asistentes que lo deseen una de estas partes, dedicada, firmada y fechada, en ese acto. Mariela está valorando extender esta idea de destruir  y repartir creaciones fragmentadas incorporándola a próximas exposiciones, como protesta por la pasotería que se evidencia hacia las exposiciones locales.

Bueno, pues ya saben, allí está la exposición y, el día 31, se producirá la fragmentación intencionada de Tormenta de Papel y su distribución entre los asistentes.

Las cuatro estaciones:





La tormenta de papel:


Los sugerentes cuadros sobre papel encerado:




Microinstalaciones:


Paleta de colores usada para las obras de esta exposición:

XX Salón de Invierno de ADAFA

Hasta el 26 de enero, de 19 a 21 horas, pueden visitar esta muestra de ADAFA (Asociación de Artistas Figurativos Aragoneses) en la sala de la Agrupación Artística Aragonesa (c/ Lagasca nº 21, de Zaragoza).

El XX Salón de Invierno de la entidad presenta obras de gran calidad técnica elaboradas por sus socios, desde las pinturas de María Jesús Escuer, Pilar Jovani, Ricardo Lamenca o Carmen Pemán, hasta las esculturas de José Antonio Barrios y Pilar Galve, entre otros artistas de igual mérito. En total 19 autores que exponen temáticas muy variadas, predominando el paisaje y los retratos, elaborados principalmente al óleo pero también en acrílico, acuarela, técnicas mixtas o dibujo, todo ello mayoritariamente sobre lienzo.

ADAFA sigue mostrando así una excelente salud artística, cuando acumula ya más de 30 años de vida activa, y además ofrece esta exposición en la Agrupación Artística Aragonesa, que cumple en 2018 el centenario de su existencia.

No me fue posible asistir al acto inaugural pero me acerqué a ver el despliegue de esta nueva edición del Salón de Invierno, coincidiendo con la guardia de mi buen amigo, el pintor y licenciado en Bellas Artes Ricardo Lamenca. Me comentó lo expuesto, hablamos también de Patrimonio Histórico (un tema que nos interesa mucho a ambos), y de otras cuestiones, pues el Arte se aprecia siempre mejor con empatía personal.

Aprovechen estos tres últimos días y vayan a ver la exposición, porque les gustará.

Con Ricardo Lamenca:

El cuadro presentado por Ricardo, un autorretrato realizado para un concurso de pintura rápida, perfeccionado posteriormente, en el que se ve el reflejo de su figura en el escaparate de una tienda de antigüedades de la zaragozana plaza de los Sitios:

La exposición:
















En el estudio de Isabel Larrodé: serena intensidad creadora

Conozco a Isabel Larrodé Pellicer desde hace mucho tiempo, y ya era hora de visitar su estudio y hablar tranquilamente de su trabajo artístico. Comenzaré explicando que Isabel estudió en la Escuela de Artes Aplicadas de Zaragoza y, más tarde, se licenció en Bellas Artes en la Universidad de Barcelona. Ha realizado exposiciones individuales y colectivas de forma regular desde 1998, y citaremos entre las más recientes la que llevó a cabo con su amiga Elsa Brocate en la Galería Cristina Marín en 2008 (“Espacio Dual”), la colectiva de K-Pintas en la que participó en 2012 (en la que coincidimos: pulse aquí), la individual en el mismo año en la sala del Colegio de Médicos de Zaragoza (pulse aquí), la colectiva en Pinta 2015 de Tauste (en la que también coincidimos: pulse aquí), o la individual en el Ateneo de Zaragoza (“Cruce de caminos”, diciembre de 2017).

La pintura más reciente de Isabel refleja los ecos de la estética oriental y su colorista mirada hacia el Zen, apoyándose en el paisaje y en la poesía haiku. En su pintura predominan las tonalidades anaranjadas, propias del color de los mantos de los monjes budistas y también los nocturnos con tonos fríos iluminados por la luz de la luna, siendo siempre la Naturaleza su punto de referencia. Hace ya tiempo, investiga sobre la influencia del Zen en la pintura contemporánea.

Les diré que pienso que las creaciones que realiza Isabel consiguen producir en quienes las contemplamos la sensación de lo fugaz de la existencia, pero emanan una sutil belleza que las alejan de lo efímero, siendo lo permanente su pintura, no la temática ni el concepto.

Técnicamente, produce obras en acrílico y técnica mixta sobre lienzo, óleo y técnica mixta sobre lienzo y, en algunos casos, óleos y veladuras sobre lienzo, siendo estas últimas de muy difícil captación fotográfica. También pinta sobre madera, en ocasiones decorando objetos utilitarios y convirtiéndolos así en obras de arte.

Y ahora vamos a lo más reciente. Isabel, que siempre ha seguido un estilo expresionista tanto en la representación del paisaje como en el de la figura humana,  está actualmente en un periodo de evolución, y lo que mostró en “Cruce de caminos” fue, como su nombre indica, toda su trayectoria expuesta con algunos ejemplos de cada una de las etapas artísticas. Trabaja ahora en una nueva forma, aunque bebe de fuentes pasadas, que consiste en una síntesis sinérgica de los estilos que ha ido siguiendo con el paso de los años. Quiere volver a la figuración expresionista pero continuando con el toque orientalista que le caracteriza, manteniendo el sentimiento que le inspira la Naturaleza y las personas, que fluye a través de ella tal y como ve e imagina el objeto pictórico a través de su retina, es decir, con una visión subjetiva de su propio universo interior.

La visita a su estudio fue encantadora pues Isabel Larrodé, discreta en público, es persona muy hospitalaria y sagaz observadora, también de los perfiles psicológicos de las personas y de las situaciones. Disfrutamos de la conversación y de sus obras, tanto de sus coloridos y originales retratos (cuyo cromatismo no es nada casual) como de los paisajes zen de tonalidades más suaves pero contrastadas.

Esta es mi sintética descripción y visión de Isabel como creadora, pintora y diseñadora cuyas obras me encantan por sus composiciones, coloridos y, muy especialmente, por las sensaciones que transmiten.

Isabel en su espacio de creación:

Imágenes del estudio:





Retrato de su buen amigo, el artista Ignacio Mayayo:

Autorretrato, 1997, óleo y técnica mixta:

Isabel e Irene (sus hijas), óleo sobre lienzo, 1997:

Essentia I, 2017, acrílico y técnica mixta:

Essentia II, 2017, acrílico y técnica mixta:

Pintura sobre madera (maletines y cajas):

Delicioso cuadro con un dragón:

Vida, 2012, óleo sobre lienzo:

Ráfaga, 2012, óleo sobre lienzo:

Alborada, 2017, acrílico y técnica mixta:

Mediodía, 2017, acrílico y técnica mixta:

Crepúsculo, 2017, acrílico y técnica mixta:

Noche, 2017, acrílico y técnica mixta:

Espesura, 2012, encáustica sobre tabla: